La Galleria oggi offre una panoramica della scultura italiana dal XVI al XIX secolo. Ma è Michelangelo che vi trionfa con i suoi Schiavi, due capolavori che facevano parte di un progetto incompiuto per il monumento funebre di Papa Giulio II. Già  prima ancora di entrare nella galleria, i visitatori possono ammirare da lontano il cosiddetto Schiavo morente, in uno stupefacente gioco di prospettive.

Lo Schiavo è addossato ad un portale monumentale alle sue spalle, decorato con le figure di Ercole e Perseo. Originariamente eretto nel Palazzo Stanga di Castelnuovo a Cremona, la sua forma ricorda quella di un antico arco di trionfo.

Le due famosissime statue erano destinate, come detto, al mausoleo di papa Giulio II, progetto che impegnò  gran parte della carriera di Michelangelo  e che, con suo gran dispiacere, non fu mai portato a termine. Incompiute forse a causa di difetti apparsi nel marmo, furono donate dallo scultore al compatriota Roberto Strozzi, che ne fece omaggio a sua volta al re di Francia. Al di là della loro bellezza formale, ancora oggi non vi sono certezze sul significato di questi Schiavi, che dovevano forse rappresentare i territori sottomessi da un papa guerriero, le arti ridotte in schiavitù dopo la morte del pontefice o l’anima asservita dalle passioni terrestri e prigioniera del suo involucro corporeo.

La statua in legno policromo proviene, secondo il venditore, dalla chiesa di San Paolo a Ripa d’Arno in Pisa. Acquistato dall’antiquario fiorentino Stefano Bardini (Pieve di Santo Stefano [provincia di Arezzo], 1836 – Firenze, 1922) e venduto al Louvre nel 1888.

legno policromo e dorato

Busto raffigurante Santa Costanza, detta ” La Bella Fiorentina “. Durante il restauro effettuato nel 2006 é stata rinvenuta intorno alla cintura la seguente iscrizione:

Filippo Strozzi il Vecchio era uno dei più ricchi e potenti banchieri fiorentini dell’epoca, alleato dei Medici e committente, tra l’altro, del grandioso palazzo Strozzi a Firenze. Un’iscrizione nella cavità della base ricorda il nome dell’effigiato (Filippus Stroza Matei Filius). Un documento registra poi il pagamento di 15 fiorini d’oro all’artista nel 1476.

Il busto si trovava presso la sua tomba nella basilica di Santa Maria Novella a Firenze. L’opera pervenne al Louvre tramite acquisto nel 1878.

Secondo il racconto del Vasari, Pierino (così fu in breve chiamato da tutti) all’età di dodici anni fece il suo ingresso nella bottega di Baccio Bandinelli, per poi passare in quella di Niccolò dei Pericoli, meglio conosciuto come il Tribolo, due dei più rilevanti scultori della Firenze dell’epoca, apprezzati entrambi dal granduca Cosimo I de’ Medici. Fu soprattutto con il secondo che il ragazzo fece i maggiori progressi, mettendosi in luce come uno degli allievi più dotati e completi, tanto che iniziò presto a collaborare attivamente alle imprese del maestro, come ad esempio la decorazione del giardino della villa medicea di Castello, per la quale realizzò dei bellissimi putti dalle pose disinvolte e vivaci. Nel corso di un fondamentale soggiorno a Roma entrò in contatto con Michelangelo e si applicò allo studio dell’arte classica, inoltre cominciò a dedicarsi al restauro e all’integrazione delle statue antiche. Rientrato in Toscana, prese dimora a Pisa e, grazie alla protezione del notaio Luca Martini, ricevette una serie di commissioni di rilievo legate all’ambito mediceo, nell’esecuzione delle quali esibì una maturità tecnica e stilistica sbalorditive per un artista di appena vent’anni.

Tra le tante opere scolpite in quel periodo e arrivate fino ai nostri giorni questo Dio fluviale esposto al Louvre di Parigi.

Nel 1779 Canova si trasferisce a Roma dove crea le sue opere più belle ispirate all’arte classica, tanto era innamorato delle sculture greche e romane che all’epoca vivevano un periodo di grande riscoperta e fulgore. Nel 1787, appena trentenne, si trova a Napoli per riposarsi dalle fatiche del monumento funebre a Clemente XIII e incontra il colonnello britannico John Campbell, fervido collezionista, che gli commissiona un’opera dedicata a Amore e Psiche, i protagonisti del racconto dell’Asinus Aureus di Apuleio. Per questo lavoro, pare che il Canova si ispirerà agli affreschi che ammira durante le sue visite agli scavi di Pompei ed Ercolano.

Canova riceve da John Campbell, nel 1788, la commissione di un gruppo raffigurante “Amore e psiche che si abbracciano: momento di azione cavato dalla favola dell’Asino d’oro di Apuleio”. Oltre alla favola di Apuleio, per la realizzazione della scultura Canova fa affidamento su numerose fonti iconografiche. Tra tutte, una in particolare: il Fauno con Baccante. Il processo di creazione dell’opera dura 5 anni ed è testimoniato da una serie di disegni e bozzetti conservati tra il Museo Correr di Venezia e i Musei Civici di Bassano del Grappa. Coerentemente con altre sue opere, Canova qui rende omaggio all’equilibrio della statuaria classica: l’intersezione dei corpi dei due soggetti crea una composizione ad X che fa librare i due archi nello spazio, mentre la luce dell’ambiente scivola morbidamente sui corpi dei personaggi.

L’opera, al momento della sua realizzazione, non fu esente da critiche soprattutto per la messa in scena considerata eccessivamente barocca, quasi manierista. Tuttavia, l’opera riscosse un immediato successo in quasi tutta Europa e la risonanza che ebbe il lavoro fu enorme: tantissimi artisti e viaggiatori andarono a visitare lo studio di Canova per ammirare la scultura. Tra questi, John Keats, che, ispirato, scrisse una delle sue odi più celebri (Ode to Psyche), e il principe Nikolaj Jusupov, che pregò Canova di trasferire l’opera alla corte di Caterina II in Russia. Canova, allora realizzò una seconda copia del gruppo scultoreo, Amore e Psiche stanti. Quella riproduzione diede l’inizio ad una serie di repliche, ed è oggi conservata all’Hermitage di San Pietroburgo.